Ocena: Wspaniała sztuka była prezentowana w Nowym Jorku w The Armoury Show w marcu. Odbywające się w Piers 92 i 94, pokaz zawiera dzieła znanych mistrzów oraz czołowych współczesnych artystów i wschodzących talentów.
Założony w 1994 roku przez czterech nowojorskich galerników, ma promować nowe głosy w sztukach wizualnych. W ciągu ostatnich 23 lat The Armory Show stało się wydarzeniem na najwyższym poziomie, a w tym roku gościło 210 wystawców z 30 krajów. Wystawa w 2017 roku miała ponad 65 000 odwiedzających w ciągu pięciu dni. Homedit sprawdził targi i znalazł wiele miłości. Oto kilka naszych ulubionych:
Mamy wiele cech tekstury i trójwymiarowości, dlatego właśnie ten fragment z 10 galerii Chancery Lane w Hong Kongu jest atrakcyjny. Stworzony przez Tuan Andrew Nguyen,The Irony of Worship składa się z wood, metal, neon, oświetlenie LED, plastik.
Samouk kenijski artysta Cyrus Kabiru jest najlepiej znany - rzeźbiarskie okulary czy "C-Ogłuszacze", które robi z przedmiotów, które znalazł, i przetworzone przedmioty, które dostaje z ulic Nairobi. Kabiru wykorzystuje elektroniczne odpady, takie jak płyty główne i głośniki, a następnie robi zdjęcia sobie w swoich kreacjach.
Duży tłum kręcił się o dobrą pozycję fotograficzną dla tego sześcianu przez pakistańsko-amerykańską artystkę Anilę Quayyum Agha. Misterne cienie rzucane przez gigantyczną kostkę laserowo wycinanej stali pochodzą z jednej żarówki w środku. Delikatne wzory paneli są wyrzucane, aby ozdobić ściany, sufit i podłogę.
Południowoafrykańska artystka Frances Goodman tworzy kolorowe, wyszukane rzeźby z wykorzystaniem sztucznych paznokci. Układa paznokcie, aby stworzyć formę, ruch i wzór. Goodman czuje, że paznokcie "oznaczają kulturę nadmiaru i przemijania" - pisze, zauważając, że widzi fałszywe paznokcie jako "niepotrzebne przedłużenie ciała".
Ikona amerykańskiej sztuki Frank Stella jest uważany za najbardziej wpływowego malarza swojego pokolenia. To jest jegoTalladega, stworzony w 1980 roku.
Jaume Plensa jest twórcą sztuki publicznej, która wykonuje gigantyczne rzeźby ze stali, szkła, marmuru, żywicy poliestrowej, betonu i brązu. On jest najbardziej znany z jego Fontanna Korony w Millenium Park w Chicago, mówi Artsy. To jest PlensaDuna, który stworzył w 2015 roku.
Gregor Hildebrandt to niemiecki artysta, który współpracuje z wieloma mediami. Jego "gwiaździsta gwiaździsta noc " powstał w 2015 roku i składa się z kaset magnetofonowych, kółek kasetowych i tkaniny na drewnie. Przypomina drewnianą mozaikę, dopóki nie przyjrzysz jej się bliżej.
Ten abstrakcyjny utwór jest autorstwa bardzo ważnej postaci sztuki, Hansa Hofmanna, który był znaczącą postacią w powojennej sztuce amerykańskiej. Jest znany ze swych barwnych płócien i był integralną częścią rozwoju ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Pochodzący ze swetra Coogi - rozsławionego w latach 80. przez Billa Cosby'ego i Notorious B.I.G.- ten tekstylny kawałek to ikoniczne ubranie przekształcone w abstrakcyjne dzieła sztuki. Artysta Jayson Musson może być lepiej znany niektórym ludziom jako gwiazda hip-hopowa pod imieniem Hennessy Youngman. Jayson Musson wywołał wiele zamieszania dzięki swojej pierwszej wystawie indywidualnej w galerii w 2012 roku - składającej się z serii "Swetonów Coogi", które zmieniły szaty Billa Cosby'ego i sławy w abstrakcyjne, malarskie kompozycje.
Pod koniec lat sześćdziesiątych lekki rzeźbiarz Keith Sonnier rzucił wyzwanie gotowym wyobrażeniom o rzeźbie, wykorzystując niezwiązane z materią i nieprzemysłowe materiały. Użył wszystkiego "od lateksu i satyny, do znalezienia obiektów, nadajników i wideo", mówi jego biografia. W 1968 roku Sonnier zaczął tworzyć rzeźby ścienne, które zawierały światło. przejście od światła żarowego do neonowego. Jego lekkie instalacje mają neonowe rurki, jasne kolory i linie w unikalnych konfiguracjach.
Wszystkie wykonane w kolorze czarnym na różnych skalach, prace wielodyscyplinarnego holenderskiego artysty Levi Van Veluw są skrupulatne i genialne. Van Veluw jest zafascynowany "rzeczami teoretycznie możliwymi, ale trudnymi do wyobrażenia" według opisu Galerie Ron Mandos. Jego praca jest napędzana przez zaabsorbowanie "światem z inną logiką od naszej" i jest on brany z science fiction.
Krytycznie uznana artystka Lita Albuquerque jest prawdopodobnie najbardziej znana ze swoich prac na pustyni, gdzie używa kolorowego pigmentu do mapowania terenu i nieba. Kalifornijska artystka koncentruje się na miejscu ludzkości we wszechświecie. Galeria Kohn prezentowała swoje prace, w tym utwór "Światło" Przyśpieszenie. Osobiście roboczy wydaje się świecić światłem, mimo że wszystko to jest kwestią pigmentu, kątów i refleksji.
Miledoński artysta Matteo Negri tworzy instalacje do galerii, przestrzeni publicznych i targów sztuki w swoich włoskich i zagranicznych krajach i zazwyczaj używa materiałów takich jak kamień, ceramika, żywica i plastik, wszystkie w popowych kolorach. Ta praca pochodzi z serii poświęconej Legosowi, gdzie Negri wykorzystuje budulec zabawek jako "metaforę nieodłącznego pragnienia dzieci budowania i tworzenia własnych osobowości" - napisała Galeria Lorenzelli. Ale Negri zauważa, że wolność jest następnie ograniczana przez linearne i geometryczne formy bloków.
Brytyjski rzeźbiarz Lynn Chadwick był pionierem, który odrzucił drewno i kamień na korzyść metalu do swoich prac.Jego spawane figurki z żelaza i brązu są nieco abstrakcyjne, ale mają wielką ekspresję, przypominającą formy ludzkie i zwierzęce. To było nasze ulubione, ponieważ nie jesteśmy do końca pewni, czy to ptak, owad, czy tylko abstrakcyjna forma.
Te kolorowe wieże to Foord for Thought 7, autorstwa saudyjskiego artysty Maha Malluha. "Moja inspiracja dla sztuki pochodzi z mojego kraju, kraju kontrastujących wyobrażeń i pomysłów. Dobra sztuka ... zmusza cię do zatrzymania się, do kontemplacji i dokładniejszego myślenia o swoim otoczeniu "- mówi Malluh na krawędzi Arabii. Wieże są wykonane ze spawanych naczyń chinco.
WięcejINSPIRATION
Eleganckie i pomysłowe projekty domów na wystawie w Miami Design 2016
Modern Makers Show Off Artful and Hand-Crafted Wood Furniture
Jasna gablota Matteo Thun
Fantastyczne szczyty kubistyczne autorstwa artysty z Berlina, Thomasa Kiesewettera, mają dziwaczny, ręcznie robiony charakter. Jego proces polega na tworzeniu małych elementów, a następnie łączeniu ich wszystkich w większe dzieła, które nazywa spontanicznymi utworami. Sposób, w jaki kończy się utwór, to kwestia tego, jak wszystko dzieje się w danym momencie.
Ta eksplozja kolorów jest fascynująca z wielu powodów, głównie dlatego, że artysta Nabil Nahas rzuca kształty w farbę akrylową. Nie ma żadnej struktury dla kształtów kubków innych niż farba. Urodzony w Libanie artysta inspirowany jest sztuką islamu i amerykańskim malarstwem abstrakcyjnym.
Imię Nicka Cave'a jest synonimem jego "Soundsuits", które są noszone rzeźbami opartymi na ludzkim ciele, zbudowanymi z różnorodnych przedmiotów używanych i materiałów używanych. Cave powiedział: "Jestem całkowicie pochłonięty specjalnym strojem, który ma mocny i znaczący cel w kulturze." Ta praca jest jego "Hustle Coat" z 2017 r..
Koreański artysta Oh Chi Gyun jest najbardziej znany ze swoich utworów za pomocą "fingerworks", techniki nakładania farby na płótno za pomocą rąk. Daje to dziełom taką jakość, jak impresjonizm. Chociaż początkowo tworzył wiele dzieł na dużą skalę, pokazane tutaj Persymony mają skromne rozmiary, ale zapewniają rzeczywisty efekt wizualny
Zabawne rzeźby ludzi i zwierząt były od ponad trzydziestu lat sygnaturą Toma Otterness. Używa liczb, które dzielą się na pięć typów, aby wyśmiewać amerykańskie społeczeństwo. On identyfikuje swoich bohaterów jako pracowników fizycznych, pracowników umysłowych, gliniarzy, radykałów i bogatych ludzi. Zrobił je w rozmiarach od giganta do malutkiego, ale są to małe dzieci.
Jedną z najciekawszych kabin była Grupa Recycle. Rosyjscy artyści Andrey Błochin i Georgy Kuzniecow tworzą sztukę, która koncentruje się w opozycji. Nagrodzony duet pokazuje swoje prace na całym świecie. To fantastyczny kawałek bez tytułu wykonany z plastikowej siatki z termoutwardzalnej stali.
Artysta Red Grooms jest pionierem w dziedzinie rzeźb i instalacji site-specific, a jego ogromne dzieła są niezwykle popularne wśród publiczności. Mówi się, że ma "geniusz do robienia zawiłości ornamentu architektonicznego" w swoich barwnie trójwymiarowych pracach. To jestNie zatrzymuj się, który stworzył w 2017 roku
Agrafki i żyletki są często ulubionym nośnikiem dla artysty Bangaldeshi Tayeba Begum Lipi. W swojej pracy eksploruje kobiecą marginesowość i kobiece ciało. W tych mediach tworzy ponownie przedmioty codziennego użytku, takie jak łóżka, wanny, wózki, wózki inwalidzkie i bieliznę damską, aby odzwierciedlić przemoc wobec kobiet w Bangladeszu.
Prace ceramiczne na wystawie były nowatorskie i fantazyjne, jak te z Kathy Butterly. Jej kształty skręcają się i mają szczypiące się otwory, które przypominają "skurczone hybrydy obcych form życia i domowych obiektów, z których coś wycieka, wycieka lub zanurza", pisze Galeria Tibor de Nagy w Nowym Jorku. Podczas gdy Butterly robi kawałki zarówno duże, jak i małe, kawałki w tej kolekcji były wątłe i delikatne.
Kolorowy i inny, ten kolaż autorstwa Briana Belotta, artysty, wykonawcy i znalezionego artysty z Brooklynu w Nowym Jorku.
Niemiecki artysta Björn Dahlem to proste materiały reprezentujące naukowe teorie lub modele stosowane w naukach takich jak kosmologia, astronomia i fizyka. Syn fizyka, Dahlem, interesuje się sprzecznościami przedstawionymi przez abstrakcyjne pojęcia.
Atsuko Tanaka był japońskim artystą znanym z eksperymentalnych strojów i występów. Zaczynając od lat sześćdziesiątych, Tanaka skupiła się na malarskich abstrakcjach, przedstawiając wielobarwne koła i zarysowane linie jako główne motywy. Splątane linie i okręgi mają na celu połączenie "układu nerwowego i obwodów elektrycznych, które tworzą ludzkie ciało i odpowiednio definiują nasze nowoczesne społeczeństwo".
Ariel Schlesinger z Izraela tworzy swoje prace z przyziemnych rzeczy, takich jak papier, zapalniczki i skarpetki. Jego spalone płótna są najciekawsze, ponieważ projektuje wykorzystanie spalonych krawędzi i różnych kształtów.
40-osobowa praca zatytułowana "Taksonomia dzikiej przyrody" autorstwa kolumbijskiego artysty Carlosa Motty. Motta znany jest z używania wielu mediów w swoich pracach, które badają niesprawiedliwości społeczne i kulturowe.
Uczestnictwo w wydarzeniu, takim jak The Armory Show, jest jak odwiedzanie kilkudziesięciu muzeów w ciągu jednego dnia. Zakres stylów, artystów i mediów jest spektakularny, z czymś, co spodoba się każdemu.
